Alexander McQueen zpátky doma

Po 25 letech se Alexander McQueen vrátil z pařížského fashion weeku na oficiální program toho londýnského. Naposledy se zde značka objevila v únoru 2001. Seán McGirr, který stojí v jejím čele od roku 2023, návrat do Londýna vysvětlil tím, že město zůstává pro identitu značky zásadní. Nejde tak jen o změnu místa konání, ale také o připomenutí jejích londýnských kořenů a propojení s místními subkulturami, tailoringem a provokativní módní scénou.

Přehlídka se odehrála v podzemním prostoru Lincoln’s Inn Chapel, historické londýnské kaple ze 17. století. Prostor má kamennou podlahu s připomínkami lidí pohřbených pod ní a publikum sedělo na jednoduchých dřevěných lavicích.

Celá kolekce byla postavená na střetu sakrálního světa a londýnské rave kultury. Jednou z hlavních inspirací byl renesanční obraz Piera della Francescy The Baptism of Christ, který McGirr obdivoval už jako student po příchodu do Londýna. Proti němu postavil londýnské kluby, rave kulturu a vlastní vzpomínky na dospívání, například na kultovní rave shop Cyberdog v Camdenu.

Siluety tato dvě protichůdná témata odrážely. Některá saka měla zvednutá ramena připomínající andělská křídla, proti kterým stály účesy s výraznými špičkami inspirované Keithem Flintem z The Prodigy, jednou z nejvýraznějších tváří britské rave kultury.

Dalším znakem „londýnského návratu“ bylo obnovení spolupráce s legendárním londýnským krejčovstvím Huntsman ze Savile Row, které v minulosti šilo obleky i samotnému Lee Alexanderu McQueenovi.

HOLY MILK

Londýnská značka Di Petsa řecké návrhářky Dimitry Petsy se proslavila především svými Wetlook šaty, které vypadají, jako by byla látka zcela promočená, výraznými drapériemi a průsvitnými materiály.

Kolekce, kterou představila na fashion weeku, nesla název HOLY MILK a celá byla postavená kolem mateřství, těhotenství, ženského těla a mateřského mléka. Na runway proto nebyly jen klasické modelky, ale také těhotné ženy, matky i děti a některé modelky nesly sklenice mléka. Téma se odráželo také v barevné paletě, ve které převládala bílá, průsvitné vrstvy a siluety připomínající svatební šaty.

Nejvirálnějším momentem přehlídky ale bylo nepochybně finále, které uzavřela Leigh-Anne Pinnock, zpěvačka a členka skupiny Little Mix, která je momentálně těhotná se svým třetím dítětem. Oblékla podprsenku se speciálním efektem simulujícím laktaci, ze které začala stříkat mléčně zbarvená tekutina představující mateřské mléko. Ta dopadala na modelky pózující pod Leigh-Anne. Reakce na tento výstup byly velmi smíšené. Část lidí ho chválila a vnímala jako oslavu mateřství, zatímco jiní ho považovali za přehnaný.

Central Cee na mole

Jednou z nejočekávanějších přehlídek London Fashion Weeku je každoročně Burberry. Kreativní ředitel značky Daniel Lee pro kolekci SS27 spolupracoval s Celií Birtwell, dnes 85letou britskou textilní designérkou, jejíž potisky pomohly definovat vzhled britské módy na přelomu 60. a 70. let. Daniel Lee ji označil za ztělesnění britské módy a stala se hlavní hvězdou této kolekce.

Přehlídka se odehrála v Chelsea College of Arts, kde Celia Birtwell na začátku 80. let učila. Pro kolekci vytvořila vlastní interpretaci ikonického kostkovaného vzoru Burberry. Nešlo však o dokonale geometrickou kostku typickou pro značku, ale o její ručně kreslenou, nepravidelnější podobu. Kromě ní se objevovaly charakteristické květinové motivy Birtwell, mezi nimi například mimózy, fialky nebo růžová poupata. Zajímavostí byly také její kreslené obličeje, které pocházely z jejího archivu a nikdy předtím nebyly komerčně využity.

Daniel Lee tentokrát nechtěl, aby Burberry působilo dokonale uhlazeně. Trenčkoty a další kousky proto byly záměrně pomačkané, aby oblečení působilo skutečně nošeně, a ne jen jako dokonale naleštěný luxus.

Jedním z nejvýraznějších momentů přehlídky i celého fashion weeku byl okamžik, kdy na runway vstoupil britský rapper Central Cee. Šlo o jeho vůbec první catwalk v kariéře. Vynesl nepromokavou bundu s kapucí, nízko posazené baggy džíny a místo pásku tkaničku.

OnlyFans za mřížemi

Ukrajinská návrhářka Natasha Zinko působící v Londýně vytvořila kolekci SS27 ve spolupráci s OnlyFans a pojmenovala ji Pay Per View. Runway byla koncipována jako panoptikon, tedy typ vězení založený na principu, že vězni mohou být neustále sledováni, aniž by věděli, zda je právě někdo skutečně pozoruje. Publikum sedělo dole uprostřed prostoru, zatímco modelové stáli v jednotlivých otvorech nad nimi jako vězni v celách.

Natasha Zinko uvedla, že při přípravě kolekce četla Michela Foucaulta, který koncept panoptikonu využil při psaní o dohledu a moci. Právě tuto myšlenku převedla do dnešního světa sociálních sítí, algoritmů, kamer a neustálého sledování.

Mezi modely a modelkami se objevila například Drea de Matteo, která v jedné z „cel“ kouřila cigaretu vedle režisérské židle se svým jménem. Kelly Osbourne měla u sebe netopýří přívěsek jako odkaz na svého otce Ozzyho Osbournea a Katie Price se po 11 letech vrátila na runway.

Ve finále modelové opustili své cely, sestoupili mezi publikum a procházeli úzkými prostory mezi hosty, což ještě zvýraznilo klaustrofobní pocit celé show. Zinko inspirovala myšlenka, že dnes prakticky všichni vytváříme veřejnou verzi sebe sama, kterou ostatní sledují. Do konceptu tak perfektně zapadlo OnlyFans, které je založené na vztahu mezi tím, kdo se ukazuje, a tím, kdo za přístup k obsahu platí.

Mulberry vytahuje sekeru

Značka Mulberry zažila hned dva comebacky najednou. Stejně jako Alexander McQueen se vrátila na London Fashion Week, kde se naposledy ukázala v roce 2017. Zároveň se na velkou londýnskou runway vrátil Christopher Kane, tentokrát jako kreativní ředitel dámského ready-to-wear Mulberry. Jeho vlastní značka v roce 2023 ukončila provoz.

Kolekce nesla název City Town Country a jedním z jejích nejvýraznějších prvků byla ikonická kabelka Bayswater. Kane vzal její charakteristickou klopu a začal ji používat jako konstrukční prvek oblečení. Její tvar se objevil ve výřezech kožených minišatů a sukní, na lemech, límcích i svetrech.

Samotná Bayswater se ukázala v nových barvách a také v obří XXL verzi. Novinkou jsou kabelky Axe a Chop, jejichž jména odkazují na prořezávání morušovníku, tedy mulberry tree, aby mohl znovu růst. Motiv sekery se objevil také na botách, kde měl podpatek právě její tvar. Sekera se tak možná stává novým motivem značky a zároveň funguje jako skvělá metafora Kaneovy nové role: něco starého je potřeba prořezat, aby mohla začít nová kapitola.

Marks & Spencer poprvé na FW

Jedním z největších překvapení byla úplně první přehlídka Marks & Spencer v rámci London Fashion Weeku. Důvodem bylo výročí 100 let módy M&S, protože značka začala prodávat oblečení v roce 1926.

Designéři proto zapátrali ve firemním archivu v Leedsu, který obsahuje přes 72 000 historických předmětů. Jednou z výrazných inspirací byla modelka Christy Turlington, která pro M&S v 90. letech pózovala v kombinaci černého smokingu a bílé košile.

Na rozdíl od klasického fashion weeku, kdy se oblečení z runwaye začne prodávat až o několik měsíců později, M&S použilo koncept „see now, buy now“. Všech 59 looků tak bylo možné koupit prakticky okamžitě po přehlídce.

M&S na runway poslalo také několik velkých britských modelingových jmen z 90. let, mezi nimi Jodie Kidd, Erin O’Connor a Karen Elson. Debut na London Fashion Weeku zároveň zapadá do snahy M&S oslovovat mladší zákazníky a posilovat svou pozici módně relevantní high-street značky.

Foto: WWD, Getty Images

O značce Lucie Marim

Za značkou Lucie Marim stojí její zakladatelka a hlavní návrhářka Lucie Vránová. Ve svých kolekcích propojuje ženskost, eleganci a pohodlí, a to především pomocí kvalitních přírodních materiálů a precizní ruční práce českých konstruktérek a švadlen.

Základním materiálem je především hedvábí a samotné kolekce mají odrážet ženy, pro které vznikají. Jemné, ale zároveň silné. Kromě oblečení najdete v nabídce značky také doplňky a ručně vyráběné šperky. Lucie Vránová byla v roce 2024 nominována na ocenění eŽena roku.

„Pomáhám ženám zvyšovat sebevědomí, miluji, když jim mohu přes oblečení dodávat sílu, lásku k sobě samé a ženskost, protože to si zaslouží.” – Lucie Vránová

Darija Pavlovičová v hedvábí

Tváří nové kolekce se stala herečka Darija Pavlovičová. Dominují jí především hedvábné šaty a mohérové svetry s příměsí hedvábí. Barevná paleta se inspiruje přírodou a podzimní atmosférou a umožňuje jednotlivé kousky kombinovat do výraznějších i minimalistických outfitů.

Proč právě Darija? Podle Lucie Vránové v sobě spojuje přirozenost, osobitost a současnou ženskost, tedy přesně ty hodnoty, na kterých stojí i nová kolekce.

Hlavní roli hraje kombinace hedvábí a mohéru s příměsí hedvábí. Zatímco šaty působí lehce a elegantně, mohérové svetry přidávají kolekci měkkost, strukturu a především pohodlí. Kousky jsou navíc navržené tak, aby se daly jednoduše kombinovat mezi sebou a nezůstaly v šatníku jen jednu sezonu.

„Na kolekci mě baví především její ženskost a zároveň určitá lehkost. Hedvábí je na těle nádherné a mohérové svetry zase působí velmi příjemně a útulně. Líbí se mi také barevnost kolekce. Jsou to barvy, které se dají krásně nosit a kombinovat,“ říká Darija Pavlovičová.

Focení kolekce proběhlo v prostorách Oranžerie na Břevnově. Vznikla zde série fotografií, která zachycuje nejen samotné modely, ale také přirozenost a osobnost Dariji Pavlovičové.

Showroom jako z pohádky

Novou adresu má také showroom Lucie Marim. Přestěhoval se do zrekonstruovaného Resortu Podskála nedaleko Chrastu u Chrudimi, necelé dvě hodiny autem od Prahy. Po předchozím objednání vás tu čeká individuální péče se sklenkou prosecca nebo šálkem kávy.

Kromě luxusní kolekce Eternal Grace, která oslavuje vnitřní krásu a sílu v jemnosti každé ženy, tu najdete také Quiet Selection. Jde o výběr kousků, které Lucie Vránová objevila během svých cest po Evropě. Vybírala takové, které nepodléhají rychle se měnícím trendům, ale zároveň zůstávají v souladu se současnou módou. Takže pokud je vám blízký quiet luxury a kousky, které můžete vytáhnout ze skříně i za několik sezon, možná jste právě našli nový módní spot.

Foto: Lucie Marim

Již pátým rokem uspořádal magazín Vogue módní událost nesoucí název Vogue World, která se za poměrně krátkou dobu stihla stát jednou z nejsledovanějších akcí módního kalendáře. Poprvé se uskutečnila v roce 2022 v New Yorku jako součást snahy oživit tamní fashion week po pandemii. Po Londýně, Paříži a loňském Hollywoodu tentokrát zamířila do Milána. Vogue World přitom není jen klasickou módní přehlídkou. Propojuje módu s hudbou, performancemi, uměním, popkulturou a charitativním přesahem.

V Miláně Vogue World odstartoval Milan Fashion Week a zaměřil se především na italské řemeslo, tradici Made in Italy a otázku, jak vypadá italská móda v době moderních technologií a umělé inteligence. Uskutečnil se 22. září v ikonické Galleria Vittorio Emanuele II, která leží přímo mezi Duomem a La Scalou a sama je jedním ze symbolů italského stylu. Celý program byl rozdělen do pěti dějství a jeho koncepce vycházela také z mozaik na podlaze galerie reprezentujících čtyři italská města: Florencii, Turín, Řím a Milán.

1. The Artisanal Revolution

Ještě před samotným začátkem prvního dějství se na mole objevili tři řemeslníci. Jeden nesl model milánského Duoma, druhý nebeský glóbus a třetí tkalcovský stav. Za touto trojicí následovali řemeslníci zastupující 15 italských módních domů.

První část přenesla diváky do florentské renesance, tedy do doby dávno před elektřinou a industrializací. Kreativní ředitel Vogue World Juan Costa Paz ji charakterizoval jako období králů, královen a papežů, kdy bylo oblečení především výsledkem lidské rukodělné práce. Dějství začalo průvodem při svíčkách a samotným outfitům dominovaly brokát, samet, krajky, výšivky a bohaté ornamenty. Některé looky navíc přímo odkazovaly na historické portréty aristokratek 16. století.

Jedním z nejvýraznějších momentů byla bezpochyby Gigi Hadid v renesanční róbě Valentino Vertigineux Haute Couture od Alessandra Micheleho. Ze známých tváří se na mole objevil také J Balvin v růžovočerném brokátovém obleku Dolce & Gabbana.

2. The Industrial Revolution

Ve druhém dějství se příběh přesunul do Turína, centra italského automobilového a výrobního průmyslu. Bohaté renesanční zdobení vystřídaly čisté linie, monochromatické materiály, vlna a především tailoring. Móda se tak posunula do období, kdy industrializace umožnila vyrábět oblečení ve větším množství.

Jednou z hlavních postav této kapitoly byl Giorgio Armani a jeho vliv na podobu moderního krejčovství. Na runway se objevily archivní looky z let 1986, 1993 a 1995, vedle nich také Gucci, Bottega Veneta, Jil Sander, Prada a další.

Druhé dějství zároveň připomnělo dobu, kdy se z módních návrhářů začaly stávat celebrity samy o sobě. Podle Juana Costy Paze patřil Giorgio Armani mezi první designéry moderní éry, kteří se stali globálně známými osobnostmi, nejen jmény ukrytými za svými značkami.

3. Made in Italy

Třetí dějství se proměnilo v pravou oslavu Itálie. Runway zaplnily barvy, výrazné vzory a pořádná dávka italského sex-appealu. Inspirací byla zlatá éra italského filmu, Federico Fellini a samozřejmě La Dolce Vita. Právě v tomto období se Itálie postupně stávala výrobní velmocí a jedním z center globální módní fantazie.

První část oslavovala italskou zálibu v extravagantních potiscích. Mezi nepřehlédnutelné kousky patřily looky z jarní kolekce Versace 2018 s popartovými reprodukcemi historických obálek Vogue. Na molo je vynesly například Cardi B nebo Imaan Hammam.

Druhá část pracovala s představou ženy ve stylu Anity Ekberg v La Dolce Vita a s italským archetypem femme fatale. U Miu Miu, Gucci, Versace, Fendi a dalších se objevovaly přiléhavé černé šaty, hluboké výstřihy, třpyt a výrazně ženské siluety. Mezi modelkami se tentokrát objevily také Irina Shayk nebo Aryna Sabalenka.

Nepřehlédnutelnou postavou třetího dějství se stala Jennifer Lopez, která na runway vyšla v černé tylové róbě s flitrovou výšivkou a rukavičkami od Dolce & Gabbana.

4. The Age of Intelligence

Největší obrat přišel se čtvrtým dějstvím. Z historie se móda přesunula rovnou do laboratoře a současného Milána. Tématem bylo propojení řemesla, vědy a technologií a především otázka, co vlastně znamená Made in Italy v době technologických textilií.

Miláno dnes není pouze módním centrem, ale také místem, kde se propojují výzkum, výroba, design a kreativita. Do módy tak vstupují nové materiály a technologie, které mohou reagovat například na teplotu, pohyb nebo okolní prostředí.

Tato část byla propojená také se sportem. Právě technické materiály jsou totiž úzce spojené se značkami a jmény, která se pohybují na pomezí módy, výkonu a technologií. Look, který tuto myšlenku vystihoval, vynesla Awar Odhiang. Model Bottega Veneta z podzimní kolekce 2026 pracoval se sklolaminátem.

Popkulturu v tomto dějství zastoupili zpěvák MGK a modelka Alex Consani. MGK vynesl oblek od Byblos, zatímco Consani se objevila v růžových šatech Bottega Veneta, které ukázaly, jak se dnes může luxusní móda potkávat se sportovními a technologickými materiály.

Jedním z nejdiskutovanějších momentů letošního Vogue World bylo bezpochyby to, když se na mole objevili čtyři roboti. Jejich přítomnost vytvořila výrazný kontrast k prvnímu dějství, kde v hlavní roli stáli řemeslníci a ruční práce. Roboti zároveň vyvolali řadu diskuzí a kontroverzí. Hodí se vůbec do show, která tolik oslavuje lidské řemeslo a kreativitu? 

5. The Imagination Revolution

Poslední dějství už nebylo navázané na konkrétní italské město ani historickou epochu. Zamířilo do spekulativní budoucnosti, která se paradoxně začala vracet k minulosti. Základní myšlenkou bylo, že technologický vývoj a umělá inteligence nedělají lidskou kreativitu méně důležitou. Právě naopak. V budoucnosti se může stát jednou z našich nejcennějších schopností.

Samotný závěr show přešel do monochromatických bílých krajkových looků. Ty Vogue interpretoval jako metaforické prázdné plátno, na kterém teprve může vzniknout další kapitola módy. Vogue tuto část popsal prostřednictvím konceptu future past, tedy budoucnosti postavené z módních vzpomínek. Kreativní ředitelé velkých módních domů proto dostali za úkol vytvořit speciální „memory dresses”, šaty zachycující módní paměť a DNA jednotlivých značek.

Po cestě od renesančního řemesla přes průmyslovou revoluci až k umělé inteligenci tak Vogue World skončil vlastně tam, kde móda začíná pokaždé znovu: u lidské představivosti.

Foto: Vogue Arabia, Getty Images

10. září se v pasáži Burzovního paláce, v těsné blízkosti kamenné prodejny my.pled, uskutečnil výjimečný večer ve znamení výtvarného umění, elegance a módy. Hlavním bodem večera byla premiéra nové kolekce hedvábných šátků, která vznikla ve spolupráci české značky my.pled a americké výtvarnice žijící v Praze April Popko.

Od plédu k módní značce

Česká značka my.pled vznikla v roce 2014 a jejím poznávacím znamením se staly plédy, kolem kterých postupně vyrostl celý dámský šatník. Dnes za značkou stojí Romana Fetting, která se k my.pled původně dostala jako zákaznice, později se stala spolumajitelkou a nakonec značku převzala.

my.pled staví na myšlence „méně kousků, více kombinací“ a tvoří oblečení, které lze snadno vrstvit, kombinovat a přizpůsobovat různým příležitostem. Typické jsou volnější střihy lichotící různým typům postav, pohodlí a materiály vhodné i na cestování, z nichž se velká část nemačká. Své kolekce značka navrhuje a šije v České republice. Vedle šatů, košil, kalhot nebo setů zůstává základem pléd, který umožňuje jeden outfit jednoduše proměnit.

Své kolekce my.pled v minulosti spojila také se známými tvářemi, mezi které patří Mahulena Bočanová, Gabriela Partyšová nebo tanečnice a choreografka Nataša Novotná. Vlastní concept store má značka v pasáži Burzovního paláce v centru Prahy.

Barvy April Popko

Americká výtvarnice April Popko pochází z Massachusetts, od roku 2003 ale žije a tvoří v Praze, kde vede vlastní studio Popko Productions. Věnuje se především abstraktní malbě, pro kterou jsou typické výrazné barvy, struktury a práce s energií a světlem. Inspiraci čerpá z přírody, cestování i zkušenosti života mezi americkým a českým prostředím. Její díla se objevila na výstavách po celém světě, od Prahy přes Paříž a Berlín až po New York, Soul nebo Marrákeš.

Výraznou stopu zanechala také přímo v Praze. V Řeporyjích proměnila 60 schodů v barevné Popko Rainbow Stairs, za které byla oceněna místní městskou částí. Na Žižkovské věži je zase trvale vystavena její instalace Popko Wings, dvojice velkých křídel vytvořených z tisíců skutečných per, kovové síťoviny a skleněných krystalů, která symbolizuje mír, naději, odvahu, svobodu a propojení různých kultur.

Z plátna do šatníku

Propojení my.pled a April Popko není úplnou novinkou. Už v roce 2022 vytvořila výtvarnice pro jarní kolekci značky obraz Monstera, jehož motiv se následně objevil na řadě letních plédů. Nyní se její tvorba do světa značky vrací v kolekci my.pled <3 April, tentokrát v podobě hedvábných šátků. Každý z nich vychází z konkrétního originálního obrazu April Popko, jehož barvy a motivy byly přeneseny na 100% morušové hedvábí. To patří mezi nejcennější druhy přírodního hedvábí a je ceněné především pro svou jemnost, hladkost a charakteristický lesk.

V kolekci se objevují například díla All Hands On Deck, On the Wave of Freedom nebo Pink Wishing Tree. Výsledkem je propojení výrazně barevného rukopisu April Popko s filozofií my.pled a zároveň způsob, jak její obrazy přenést z plátna přímo do šatníku.

Chcete, aby s vámi kamkoliv vyrazil i kousek umění? Šátky z kolekce my.pled <3 April najdete na webu https://www.mypled.com, kde můžete objevit také novinky značky pro podzim a zimu. Každý šátek přichází zabalený v hedvábném papíru a speciální magnetické krabičce vytvořené pro tuto kolekci. Uvnitř najdete osobní vzkaz a pozvání do světa my.pled i za další tvorbou April Popko.

Foto: my.pled, April Popko

Duolingo učí módu vyslovovat

Všichni známe problém s výslovností některých značek jako Jacquemus, Givenchy nebo největší klasiky Hermès. A Duolingo, aplikace se zeleným ptáčkem v logu, která už dávno překročila hranice obyčejné jazykové aplikace a stala se téměř kulturním fenoménem, se rozhodlo módnímu světu trochu pomoct.

Ve spolupráci s newyorskou designérkou Megan O’Cain vytvořilo sedmidílnou capsule kolekci The Phonetic Collection, která proměnila módu v lekci výslovnosti. Duolingo vybralo sedm značek, jejichž názvy podle průzkumu dělají Američanům problémy: Hermès, Givenchy, Jacquemus, Moschino, Comme des Garçons, Loewe a Issey Miyake. Jejich jména pak na jednotlivých kouscích nahradila fonetická výslovnost. Z Hermès se tak stalo „AIR.MESS“, z Givenchy „ZHEE.VAHN.SHEE“ a z Moschino „MOH.SKEE.NOH“.

A jako by samotné kousky, které musely nejednoho milovníka vysoké módy zahřát u srdce, nebyly dost zajímavé, originální byl i způsob, jak je získat. Na speciálním pop-upu se totiž nedražilo pouze za peníze. Návštěvníci mohli přihazovat také svůj Duolingo Streak, tedy počet dní, po které nepřerušili používání aplikace.

Coach slaví 85

Značka Coach, proslulá především svými kabelkami, vznikla v roce 1941 v New Yorku. Kde jinde by tedy měla oslavit své 85. narozeniny než právě na NYFW?

Kolekce působila trochu jako ráno po opravdu povedené narozeninové párty. Mezi outfity se nenápadně objevovaly stopy po oslavě. Kabelky zdobily konfety a třpytky a některé kousky vypadaly záměrně pomačkaně. Přehlídka začala poměrně střídmě v šedých a nude odstínech s drobnými party detaily, postupně ale přešla k mnohem doslovnějším narozeninovým motivům. Nechyběly party čepičky, mašle, dárky ani narozeninová přání vyrobená z kůže.

Nešlo ale jen o jednu velkou narozeninovou party. Coach se zároveň ohlédl do vlastních archivů a připomněl své módní dědictví. Jednou z hlavních novinek je Turnlock Tote, která vychází z designu značky z roku 1970 a pracuje s charakteristickým turnlock zapínáním spojeným s jednou z nejvýznamnějších osobností historie Coach, návrhářkou Bonnie Cashin.

Psi místo modelek

Už třetím rokem spojily newyorské návrhářky Rachel Antonoff a Susan Korn, zakladatelka značky Susan Alexandra, módu s trochu jiným typem runway hvězd. Jejich Best in Show je totiž kombinací módní přehlídky, psí show a adopční akce.

Susan Alexandra ve spolupráci s Etsy vytvořila barevné korálkové obojky a vodítka i pet pouches. Psům na mole dělaly společnost celebrity jako Dylan O’Brien, Victoria Pedretti nebo Aly Raisman. Pejskům se přizpůsobily i jejich outfity. Objevily se motivy jezevčíků, zelený kabát pokrytý kresbami psů nebo tašky určené přímo pro čtyřnohé společníky.

Nešlo ale jen o roztomilou show pro sociální sítě. Best in Show vznikla především na podporu neziskového newyorského útulku Animal Haven a s cílem upozornit na adopci. Všech 15 psích modelů proto tvořili adoptovatelní psi právě z tohoto útulku, od štěňat až po starší psy. A přehlídka měla i svůj první happy end. Krátce po show našla nový domov fenka Biscotti.

Carolina Herrera po newyorsku

Další velké výročí letos slaví Carolina Herrera. Módní dům vznikl v New Yorku v roce 1981, a jeho 45. narozeniny tak byly především oslavou všeho, co je s Herrerou a New Yorkem spojené.

Runway původně zaplnilo přesně 28 800 žlutých tulipánů. Děti kreativního ředitele Wese Gordona si ale při zkoušce každý jeden odnesly, takže výsledný, a zvláštně konkrétní, počet klesl na 28 798. Po přehlídce navíc květiny neskončily v koši, ale byly zpracovány na mulč pro newyorské městské parky.

Samotná značka popsala kolekci jako „all things Herrera“ a skutečně šlo o oslavu jak samotné návrhářky, tak města, ve kterém vybudovala svou značku. V kolekci se například objevila obálka časopisu The New Yorker z týdne, kdy Herrera představila svou první kolekci. Náušnice odkazovaly na ikonické newyorské black-and-white cookies a na kabelkách a špercích se objevily žáby jako připomínka La Grenouille, oblíbené newyorské restaurace Caroliny Herrery.

Nejvýraznější u celé přehlídky ale přišel v podobě minišatů s portrétem samotné Caroliny Herrery, který v roce 1979 vytvořil Andy Warhol. Módní dům se poprvé spojil s Andy Warhol Foundation a slavný portrét licencoval pro použití v kolekci. Kromě šatů se objevil také na doplňcích. 

PETA incident

Jeden z nejdiskutovanějších momentů celého NYFW se odehrál v neděli 13. září během přehlídky COS. Skupina aktivistů PETA narušila show na protest proti používání vlny v módním průmyslu. Někteří se dostali přímo na runway s transparenty upozorňujícími na údajné týrání ovcí při její produkci.

COS patří pod H&M Group, na kterou se PETA v poslední době zaměřila. Organizace tvrdí, že zdokumentovala špatné zacházení s ovcemi na farmě využívající certifikaci NATIVA.

Mnohem větší pozornost než samotný protest ale nakonec vzbudila reakce Stevena Kolba, CEO Council of Fashion Designers of America, organizace stojící za oficiálním kalendářem NYFW. Místo toho, aby situaci nechal na security, se do ní fyzicky vložil sám a začal protestující zadržovat.

Videa z incidentu se rychle stala virálními. Na jednom z nich je vidět, jak Kolb drží aktivistku na zemi, fixuje ji nohou a zakrývá jí ústa. Ještě tentýž den připustil, že reagoval nevhodně, a následně vydal obsáhlejší omluvu. Incident ale nezůstal bez následků. Kolb poté nastoupil na dočasné volno z CFDA po dobu vyšetřování.

Foto: Getty Images, Duolingo, Animal Haven, Coach, Carolina Herrera

Pocta módnímu géniovi

Metropolitní muzeum umění v New Yorku 31. července oznámilo, že jeho následující jarní výstava Costume Institute ponese název John Galliano: Horizons. Jednalo se o mimořádnou poctu. Galliano se měl stát teprve třetím žijícím návrhářem, kterému by Costume Institute věnoval samostatnou retrospektivní výstavu, po Yves Saint Laurentovi v roce 1983 a Rei Kawakubo v roce 2017.

John Galliano totiž svou kariérou a přínosem módě patří mezi výjimečné osobnosti. Narodil se v roce 1960 a pozornost módního světa získal už v roce 1984 svou absolventskou kolekcí Les Incroyables, inspirovanou Francouzskou revolucí. Brzy poté založil vlastní značku a v roce 1995 se stal kreativním ředitelem Givenchy. Jako první Brit tak stanul v čele francouzského haute couture domu. O rok později přešel k Dioru, kde se během patnácti let stal jednou z nejvýraznějších osobností módního průmyslu díky teatrálním přehlídkám, historickým odkazům a extravagantním siluetám. Po svém odchodu z Dioru se do velké módy vrátil v roce 2014 jako kreativní ředitel Maison Margiela, kde působil deset let. Do centra pozornosti se znovu dostal i letos, kdy překvapivě navázal dvouleté kreativní partnerství se Zarou.

Vzhledem k výčtu jeho kariérních úspěchů by se mohlo zdát, že není divu, že mu Met chtěl věnovat takovou poctu. Met Gala, na které módní svět každoročně čeká, je fundraisingovým večerem pořádaným při příležitosti zahájení jarní výstavy Costume Institute. Dalo se proto očekávat, že se Met Gala 2027 bude tematicky odvíjet právě od Gallianovy tvorby a jeho návrhy se stanou častou inspirací pro outfity hostů.

Jenže během jediného měsíce po oznámení výstavy se na Met začala valit kritika. Galliano může být považován za módního génia, jeho kariéru ale provází také jedna z největších kontroverzí módního průmyslu. Odpor proti plánované retrospektivě byl nakonec natolik silný, že přesně měsíc po jejím oznámení, 31. srpna, Met a Galliano společně oznámili, že se výstava neuskuteční.

Minulost, na kterou se nezapomnělo

Kontroverze se vrací k incidentům z let 2010 a 2011. Galliano se v Paříži dopustil antisemitských, rasistických a antiasijských urážek. Jeho chování zachytilo také video z pařížského baru, na kterém mimo jiné vyjadřoval obdiv Adolfu Hitlerovi. Ve Francii byl následně uznán vinným z veřejných urážek založených na původu, náboženství, rase či etnicitě. Kauza tehdy vedla také k jeho konci v Dioru.

Do kritiky plánované výstavy se zapojili především představitelé židovských komunit, newyorští politici i další veřejné osobnosti. Výraznou kritičkou byla například předsedkyně New York City Council Julie Menin, jejíž matka přežila holokaust. Jedním z nejsilnějších argumentů kritiků bylo také samotné datum Met Gala 2027. Večer připadá na pondělí 3. května, tedy na Yom HaShoah, den připomínky obětí holokaustu. Představa, že se právě v tento den uskuteční nejsledovanější módní večer roku spojený s retrospektivou návrháře známého mimo jiné svými antisemitskými výroky, byla pro řadu lidí nepřijatelná.

Kritika i zevnitř Metu

Postupně navíc přestalo jít jen o odpor veřejnosti. Kritika začala přicházet také od lidí dlouhodobě spojených s Metem. Významný galerista a donor muzea Arne Glimcher podle médií pohrozil, že pokud Met s Gallianovou výstavou bude pokračovat, přehodnotí umělecká díla, která měla být muzeu odkázána v jeho závěti. Jill Kargman, dlouholetá členka Friends of the Costume Institute, zase kvůli plánované výstavě na svou roli rezignovala.

Met přitom kontroverzi do určité míry očekával už před oznámením výstavy a Gallianovu minulost chtěl přímo začlenit do jejího konceptu. Výstava neměla být pouze oslavou jeho tvorby, ale měla otevřeně pracovat také s jeho antisemitskými a rasistickými výroky, následným pádem, léčbou závislostí a snahou o nápravu.

Do příprav se zapojila i Anna Wintour, členka správní rady Metu, dlouholetá tvář Met Gala a jedna z nejvýraznějších Gallianových podporovatelek v módním světě. Společně s Gallianem a kurátorem Andrewem Boltonem se ještě před oznámením projektu setkávali s rabíny a představiteli židovské komunity, aby diskutovali o Gallianově minulosti, jeho omluvách i zamýšleném pojetí retrospektivy. Ani to ale následné kritice nezabránilo.

Galliano ustupuje

Dne 31. srpna tak Met a John Galliano společně zveřejnili prohlášení, ve kterém oznámili, že se John Galliano: Horizons nakonec neuskuteční. Galliano znovu uznal, že nese plnou odpovědnost za bolest způsobenou svými výroky, především židovské a asijské komunitě. Připustil také, že výstava oslavující jeho práci může být pro některé lidi bolestivá, a uvedl, že nechce, aby kontroverze kolem jeho osoby stavěla Met do obtížné pozice.

Anna Wintour následně jeho rozhodnutí podpořila a označila ho za odvážné a správné.

Co bude s Met Gala 2027?

To zatím nevíme. Nová jarní výstava Costume Institute ani dress code Met Gala 2027 zatím oznámeny nebyly. Met pouze uvedl, že nový projekt a další informace o Gala zveřejní později.

Podle zákulisních informací může muzeum sáhnout po některém z projektů plánovaných na další roky nebo vytvořit novou výstavu z vlastní rozsáhlé sbírky. Jedno je ale jisté – John Galliano: Horizons se na jaře neotevře a Costume Institute tak má jen několik měsíců na to, aby pro nejsledovanější módní večer roku našel úplně nový směr.

Foto: Pinterest, @jgallino, WSJ, The Guardian

Od skincare k fenoménu

Značka Rhode byla v posledních letech nepřehlédnutelná. Stojí za ní Hailey Bieber, rozená Baldwin, americká modelka a od roku 2018 manželka Justina Biebera. Svou kosmetickou značku založila v roce 2022 a zpočátku ji postavila především na skincare a estetice dokonale hydratované glazed skin.

Postupně ale přibyla i dekorativní kosmetika. Hitem se staly především Peptide Lip Treatment a Peptide Lip Tint, pro které Rhode vytvořilo dnes už ikonické kryty na telefon s místem přímo na produkt na rty. Později značka rozšířila make-up nabídku také o Pocket Blush a další produkty. Úspěch Rhode už dávno není jen záležitostí sociálních sítí. Za 12 měsíců do března 2025 značka dosáhla čistých tržeb 212 milionů dolarů a následně ji koupila společnost e.l.f. Beauty v transakci oceněné až na jednu miliardu dolarů.

Rhode v Česku

V Česku zatím Rhode oficiálně dostupné nebylo, a fanoušci značky tak byli odkázáni především na nákupy ze zahraničí. Tomu je ale konec. Sephora Czech Republic oznámila, že 30. září 2026 Rhode dorazí také na český trh.

Pro mnoho beauty nadšenců je to rozhodně důvod k oslavě. Především proto, že značka přichází právě ve chvíli, kdy rozšiřuje svůj sortiment a představuje jednu ze svých dosud nejvýraznějších spoluprací.

Rhode <3 Alexandra

Dne 9. září Rhode představilo kolekci vytvořenou s Alexandrou Leclerc. Pokud se vám její příjmení zdá povědomé, pravděpodobně ji znáte díky Formuli 1. Alexandra je manželkou závodníka Ferrari Charlese Leclerca. Pár se v únoru 2026 vzal v Monaku a nyní čeká první dítě.

Postupně se ale Alexandra přestala objevovat pouze jako partnerka slavného závodníka. Pozornost si získala především svým osobitým stylem, který kombinuje elegantní a minimalistické kousky s barvami a vintage inspirací. Stala se módní inspirací pro miliony sledujících, vytvořila vlastní kolekci s australskou značkou Meshki a objevila se také na obálkách ELLE Mexico nebo Harper’s Bazaar Turkey.

Monaco, Monet a Gemini

Kolekce přináší tři nové Pocket Pearl, malé třpytivé tvářenky, které lze připnout například na kabelku. Odstíny dostaly názvy Gemini, Monet a Monaco a každý odkazuje k Alexandřinu životu. Gemini představuje její znamení Blíženců, Monaco místo, které považuje za svůj domov, a Monet jejího oblíbeného malíře Clauda Moneta. To souvisí i s Alexandřiným vztahem k umění, kterému se věnovala během studií.

Kolekci doplňuje Peptide Lip Tint v novém odstínu Sweet Apple, průsvitné zlatohnědé barvě s třpytivým finišem a vůní kyselkavých jablečných bonbonů, které Alexandra Leclerc zbožňuje. 

Pocket Pearl lze doplnit také karabinou a Flutter Charm, drobným přívěskem ve tvaru motýla, který se v Alexandřině estetice objevuje opakovaně.

Kolekce vychází 15. září. Zda se následně objeví také v české Sephora nabídce, zatím potvrzené není. Nezbývá tedy než doufat, že nás český příchod Rhode právě o tyto novinky neochudí.

Víc než slavné příjmení

Spolupráce je zajímavá také tím, co mají Hailey a Alexandra společného. Obě jsou manželkami mimořádně úspěšných mužů a část veřejnosti je právě díky jejich vztahům poznala. Ani jedna ale nezůstala pouze v roli „partnerky“.

Hailey vybudovala z Rhode globálně úspěšnou beauty značku, zatímco Alexandra si postupně vytvořila vlastní módní identitu a komunitu, která ji sleduje kvůli jejímu stylu. Samozřejmě nelze přehlížet výhodu pozornosti, kterou jim jejich slavní partneři přinášejí. Zajímavější ale je, co s ní dokázaly udělat.

Rhode <3 Alexandra Leclerc tak není jen další celebrity collab. Je to spojení dvou žen, které ukazují, že vedle slavného muže může stát žena se stejně vlastním jménem, kariérou a vlivem.

Foto: @rhode, @alexandramalenaleclerc

Dolly Parton se narodila 19. ledna 1946 v Tennessee a svět country si podmanila hity jako Jolene, 9 to 5 nebo I Will Always Love You. Stejně nezaměnitelná jako její hlas se ale postupně stala i její image. Platinová blond, obří vlasy, dlouhé nehty, hluboké výstřihy a kamínky všude, kam se vešly. Dolly udělala z „too much“ svůj podpis dávno předtím, než jsme tomu začali říkat camp nebo country glam.

Image podle sebe

Dolly Parton jste nikdy nemohli přehlédnout. A přesně o to šlo. Svou image si vytvořila podle vlastních představ o kráse, nikoliv podle toho, co bylo považováno za vkusné. Inspiraci přitom našla už jako malá v ženě ze svého rodného města, kterou okolí označovalo jako „town tramp“, tedy něco jako místní lehkou ženu. Odbarvené vlasy, výrazné rty, nalakované nehty, podpatky a upnuté oblečení ostatním připadaly laciné. Dolly v ní naopak viděla tu nejkrásnější ženu široko daleko.

Platinovou blond proto brzy přijala za svou. Vlastní vlasy si odbarvovala a tupírovala do vysokého bouffantu, až je nakonec kvůli poškození vyměnila za paruky. Ty se spolu s umělými řasami, výraznými linkami, dlouhými nehty a pořádnou dávkou rtěnky staly základem její image.

Na poznámky o „hloupé blondýně“ navíc dokázala odpovědět po svém. Ráda připomínala, že není ani hloupá, ani skutečná blondýna. A zatímco dnes celebrity soupeří o co nejdokonalejší iluzi přirozenosti, Dolly se nikdy netvářila, že takhle vstává z postele. Její umělost byla zcela záměrná. Jak sama trefně prohlásila: „Stojí hodně peněz vypadat takhle lacině.“

More is more

Minimalismus v Dollyině šatníku nikdy příliš šancí nedostal. Její módní styl zůstával napříč dekádami překvapivě podobný: zvýrazněný pas, přiléhavé střihy, vysoké podpatky a pořádná porce kamínků, flitrů, třásní a westernových detailů.

Kořeny jejího stylu sahají ke country módě 60. let a slavným Nudie suits. Extravagantní westernové obleky návrháře Nudieho Cohna byly plné barev, výšivek a kamínků. Dolly si tento svět přivlastnila po svém a tradiční western proměnila v ultraženský country glam.

Čím větší byla její kariéra, tím extravagantnější byly její outfity. V 70. letech přibyly flitry, třásně, hlubší výstřihy a odvážnější siluety. V roce 1978 Dolly pózovala na obálce Playboye v černém bunny kostýmu a o rok později přišel Bob Mackie se zdobeným modelem s průsvitnými motýlími křídly. Country girl se měnila v hollywoodskou showgirl, aniž by cestou odložila jediný kamínek.

Od 90. let její charakteristický šatník dál rozvíjel kreativní ředitel Steve Summers a jeho tým. Móda mezitím prošla minimalismem, Y2K i quiet luxury, Dolly ale zůstala Dolly. Možná právě proto její styl nestárne spolu s trendy. Nikdy na nich totiž nebyl závislý.

Síla na podpatcích

Za vrstvou kamínků se navíc vždy skrývala žena, která měla ve vlastní kariéře velmi jasno. Dolly se prosadila jako skladatelka a podnikatelka v country průmyslu ovládaném převážně muži a opakovaně ukázala, že image sexy blondýnky rozhodně neznamená, že neví, co dělá.

Když chtěl Elvis Presley nazpívat její I Will Always Love You, jeho manažer požadoval část vydavatelských práv. Pro začínající country zpěvačku by Elvisova verze znamenala obrovský moment, Dolly ale odmítla. Svou píseň si nechala.

Ještě výrazněji promluvila v roce 1980 s 9 to 5. Píseň spojená se stejnojmenným filmem se stala hymnou pracujících žen a upozorňovala na nerovnost, nízké ohodnocení i každodenní sexismus na pracovišti. A právě tady dokázala Dolly využít i jeden ze symbolů své hyperženské image. Narážky často mířily i na její dlouhé akrylové nehty. Dolly z nich ale v 9 to 5 udělala vlastní přednost. Jejich klapání, které připomínalo práci na psacím stroji, přenesla do nahrávacího studia a rytmickou linku celé písně vyťukávala právě svou manikúrou.

Ke slovu „feministka“ měla sama v rozhovorech komplikovaný vztah. Její kariéra ale nabourávala představu, že ženskost a síla stojí proti sobě. Dlouhodobě podporovala vzdělávání žen a prostřednictvím svého programu Imagination Library pomohla dostat knihy k milionům dětí po celém světě. Podporovala také řadu charitativních projektů a během své kariéry otevírala dveře dalším ženám v hudebním průmyslu. Dolly kvůli respektu nikdy nepotřebovala sundat podpatky, zkrátit nehty ani setřít rtěnku. Místo toho ukázala, že ženská síla může být blond, růžová a posetá kamínky.

Foto: Wikimedia, Getty, Pinterest

Kde to začalo?

Dnes máme školní uniformy spojené především s luxusními soukromými školami, preppy estetikou a old money stylem. Ironií ale je, že za jeden z nejstarších doložených příkladů školní uniformy je považován oděv britské školy Christ’s Hospital, určené původně chudým a osiřelým dětem. Součástí dress codu byl dlouhý modrý kabát, přičemž modrá byla mimo jiné dostupným barvivem a spojovala se se skromností.

V 19. století se v dívčích školních uniformách objevují tmavé šaty, bílé límce a dlouhé sukně. S rozvojem prestižních britských škol se ale uniforma postupně mění také v symbol příslušnosti k určité instituci, statusu a privilegia. Právě z této představy později výrazně čerpá preppy i schoolgirl estetika.

Kdy se ale do školního šatníku dostaly plisované sukně, kravaty, vestičky a podkolenky, tedy silueta, ze které čerpá dnešní móda? Důležitá byla první polovina 20. století a proměna vzdělávání dívek. Do škol se stále více dostával sport a dlouhé viktoriánské šaty byly pro pohyb nepraktické. Sukně se proto zkracovaly, plisování umožňovalo větší volnost pohybu a kravaty či blazery dívčí školy přebíraly z chlapeckého dress codu. Vznikala tak silueta, kterou bychom jako školní uniformu poznali i dnes.

Přichází minisukně

Jednou z nejdůležitějších osobností, které pomohly dostat školní a dívčí estetiku do módy, byla britská návrhářka Mary Quant. V 60. letech se Londýn stával centrem mladé kultury, hudby, klubů a nových butiků v rámci fenoménu Swinging London. Quant už v roce 1955 otevřela butik Bazaar a ve své tvorbě začala čerpat také z dětského a školního oblečení. Pracovala s krátkými sukněmi a jednoduchými siluetami, které doplňovala výraznými punčochami, podkolenkami a moderní obuví. Přestože bývá často označována za autorku minisukně, ta jednoznačného tvůrce nemá. Mary Quant ji ale zásadně zpopularizovala a udělala z ní symbol své generace.

Zároveň šla proti tehdejší představě, že žena má působit především sofistikovaně a dospěle. Oslavovala mládí a dívčí vzhled už nebyl něčím, z čeho měla žena co nejrychleji vyrůst. Podkolenky, barevné punčochy nebo kulaté kontrastní límečky se díky ní přesunuly z dětského šatníku do módy mladých žen.

Z nevinné školačky rebelkou

V 90. letech získává schoolgirl úplně jinou energii. Začíná se míchat s grungem a punkem a rozhodně už nejde jen o uhlazený luxus. V roce 1991 americký Vogue psal o „run on schoolgirl tartan“, tedy mánii kolem školáckého tartanu, a ukazoval tartanové sukně kombinované s barety, podkolenkami a kabáty.

Jeden z nejslavnějších momentů přišel o rok později. Marc Jacobs, tehdy kreativní ředitel značky Perry Ellis, představil kolekci pro jaro 1993. Na molo poslal modelky v tartanových sukních, army boots, flanelových košilích, krátkých sakách, podkolenkách a teniskách Converse. Kolekce byla tehdy kritizovaná a přispěla i k Jacobsovu konci u značky, později se ale stala jedním z určujících módních momentů 90. let.

Podkolenky zároveň získávaly provokativnější význam. Vogue v roce 1993 pracoval s formulací „schoolgirl meets sex-kitten attitude“ a o rok později se objevovaly také u značek jako Versace, Prada, Ralph Lauren nebo Vivienne Westwood. Výrazně se školní estetikou pracovala také Anna Sui, která propojovala rock, vintage, punk a girlhood. Její kolekce pro jaro 1994 míchala punkové prvky s romantickými a školními motivy. Schoolgirl už tak nemusela odkazovat pouze na skutečnou uniformu, ale také na nostalgickou a idealizovanou vzpomínku na mládí. A právě to přetrvává dodnes.

Schoolgirl v popkultuře

Co si pod schoolgirl stylem vybaví téměř každý? Pravděpodobně film Clueless z roku 1995 a jeho kostýmy od Mony May. Slavný žlutý outfit Cher byl luxusní módní interpretací školní uniformy postavenou na tartanovém kostýmku Dolce & Gabbana. Minisukně, podkolenky a cardigany se díky filmu staly jedním ze symbolů módy 90. let. Clueless navíc z uniformy udělalo image. Cher a její spolužačky nenosí klasickou povinnou školní uniformu, přesto se jejich šatník jejími kódy výrazně inspiruje. Původní funkce uniformy se tak obrací. Už nemá potlačovat módní rozdíly mezi studenty, ale pomáhá Cher být tou nejvýraznější osobou v místnosti.

V roce 1998 přichází další zásadní moment, videoklip Britney Spears k …Baby One More Time. Bílá košile, krátká plisovaná sukně, cardigan, vysoké ponožky a copánky udělaly ze schoolgirl estetiky globální popový symbol. Do popředí se zároveň dostal kontrast nevinnosti a sexuality. S nástupem Y2K módy pak přicházejí nižší pasy, ještě kratší sukně a crop topy.

Uniforma = Luxus

Schoolgirl estetika se postupně začíná propisovat do kolekcí celé řady high fashion značek. V roce 2007 má navíc premiéru Gossip Girl a rebelující sexy školačka alespoň na chvíli ustupuje do pozadí. Přichází elegance Blair Waldorf.

Perfektně upravená Blair kontrastuje s uvolněnější Serenou. Obě vycházejí ze stejného školního dress codu, ale každá si jej přizpůsobuje vlastnímu stylu. Uniforma tak paradoxně začíná fungovat jako prostředek individuality. Schoolgirl estetika se zároveň znovu propojuje s privilegiem a old money stylem. Přidávají se luxusní kabelky, perly, brože a především Blairiny ikonické čelenky.

Výrazným momentem byl také rok 2016, kdy Thom Browne proměnil školní uniformu v jednu z důležitých součástí vizuálního jazyka značky. Bílá košile, kravata, šedé odstíny, kostka, blazery a plisované sukně působily, jako by se školní chodba přestěhovala přímo na runway.

Na konci 2010s už navíc nešlo jen o nostalgii po vlastních školních letech. Móda začala nostalgicky vzpomínat i na své předchozí interpretace školy a popkulturu 90. let. V roce 2018 například Versace ve své podzimní kolekci znovu výrazně pracovalo s tartanem, minisukněmi a preppy-punkovou estetikou inspirovanou právě filmem Clueless.

Miu Miu mánie

V současné high fashion je se schoolgirl a akademickou estetikou neodmyslitelně spojená především značka Miu Miu. Značka vznikla v roce 1993 jako mladší a experimentálnější projekt Miuccii Prady a samotný název vychází z její dětské přezdívky Miu Miu. Už od počátku tak nabízela hravější a mladistvější alternativu k hlavní linii Prada.

Na podzim 2014 přišly v kolekci výrazné school-uniform reference. Nešlo ale o perfektní kostým elitní školačky. Uniformní prvky se kombinovaly se sportovními bundami, pastelovými barvami a množstvím vrstev. Výsledkem byla školačka, která sice respektuje základní kódy uniformy, ale nebojí se je narušit.

Největší zlom a začátek novodobého schoolgirl šílenství přišel s kolekcí Miu Miu pro jaro/léto 2022. Miuccia Prada vzala základní kusy běžného šatníku a radikálně je zkrátila. Mikro minisukně s výrazným páskem ve spojení s cropnutými svetry, košilemi a vysokými ponožkami okamžitě zahýbaly módním světem. Lemy zůstávaly roztřepené a barevnost naopak poměrně konzervativní. Extrémní délky tak rozbíjely tradiční představu uniformy a připomínaly rebelující studentku, která si dress code upravila po svém. Zároveň se zde propojila schoolgirl uniforma s kancelářským dress codem.

Z mikro minisukně se stal virální fenomén. Objevovala se na celebritách, obálkách časopisů i sociálních sítích a výrazně podpořila návrat Y2K estetiky. Postupně se k ní přidaly také dioptrické brýle, které akademickou image ještě více podtrhly.

Back to school 2026

Schoolgirl styl bude podzimu pravděpodobně vládnout ještě nějakou dobu. Dnes totiž neodkazuje jen na nostalgii po školních letech, ale také na desítky let ikonických popkulturních a módních momentů. Navíc se dál proměňuje. Schoolgirl se propojuje například s literary chic, tedy estetikou mladé intelektuálky a knihomolky. V outfitech se objevují cardigany, košile, plisované sukně, bílé vysoké ponožky, mokasíny a velké brýle.

Ke klasickému schoolgirl stylu se ale přidává ještě jeden návrat do školních lavic, tentokrát přes tělocvik. Vidět to bylo i během nedávného Copenhagen Fashion Weeku 2026. K plisovaným sukním se místo klasických košil přidávají polo trička, raglánová trička s kontrastními rukávy nebo fleecové mikiny. Vysoké ponožky a podkolenky přitom zůstávají jedním z hlavních doplňků.

Schoolgirl zkrátka zůstává, i když její podoba se neustále mění. Uniforma měla původně individualitu omezovat, móda ale její význam obrátila. Dnes jsou její prvky základem, který si každý může upravit podle sebe. A s přicházející back to school náladou je ideální čas vrátit se alespoň módně zpátky do školních lavic.

Foto: Christ’s Hospital, Pinterest, Alamy, Vogue, WWD

Móda nové generace

Festival WE’RE NEXT je jediným svého druhu ve střední Evropě, letošní jedenáctý ročník ale slibuje posunout laťku zase o něco výš. Moderní prostory budovy SmíchOFF Office se na dva zářijové dny promění v místo pro všechny příznivce módy a kreativity.

WE’RE NEXT vznikl v roce 2016 z iniciativy studentů módního designu z pražské UMPRUM a antverpské Royal Academy. Jejich cílem bylo vytvořit módní přehlídky, se kterými budou spokojeni samotní tvůrci, dát prostor mladé generaci a zároveň otevřít a přiblížit módní svět širší veřejnosti.

Po jedné dekádě festival vyrostl v místo, kde se setkávají progresivní módní návrháři a další tvůrci z Česka i zahraničí. Pro módní nadšence se mezitím stal pevným bodem v kalendáři, který jen tak nevynechávají.

Od známých jmen k novým talentům

Letošní ročník představí více než 25 módních návrhářů. Pátek 11. září bude věnován etablovaným českým i zahraničním tvůrcům, kteří během samostatných autorských přehlídek představí své aktuální kolekce i vlastní pohled na současnou módu.

O den později, v sobotu 12. září, dostane prostor nastupující generace talentů. Ve dvou přehlídkových blocích se mladí návrháři utkají o finanční výhru 1 000 eur a další ceny. Mezi nimi budou studenti a absolventi prestižních zahraničních módních škol, jako jsou Royal Academy of Fine Arts v Antverpách, Institut Français de la Mode v Paříži, Polimoda ve Florencii nebo Central Saint Martins v Londýně. Své práce samozřejmě představí také talenty z českých škol, například UMPRUM nebo UTB.

Brány festivalu se po oba dny otevřou v 17.00.

Mimo runway

WE’RE NEXT není jen o módních přehlídkách. Součástí festivalu je i doprovodný program, takže nudit se nebudete ani mezi jednotlivými fashion shows. Festival dlouhodobě podporuje lokální tvorbu a udržitelnost, a proto zde najdete prodejní showroomy, secondhand a upcycling designéry, tvorbu samotných návrhářů z WE’RE NEXT nebo stánek Recover.

Protože móda a umění mají k sobě blízko, součástí programu bude také performance Leepa a expozice výtvarných děl absolventů AVU. A pokud vám ze všudypřítomné inspirace vyhládne, zamířit můžete na food market. Chybět nebude ani stánek Proud nebo míchané drinky Martini a Bombay Sapphire na barech. WE’RE NEXT nekončí posledním lookem na mole, součástí programu bude také afterparty.

Jedna vstupenka, celý večer

Vstupenky na dva dny propojující etablované návrháře, nastupující talenty, design, umění, hudbu a kreativní komunitu v prostorách SmíchOFF Office seženete na GoOut.

Letošní ročník WE’RE NEXT ruší rozdělení vstupenek na stání a sezení. Platí tedy jednoduché pravidlo: kdo přijde dřív, má větší šanci získat místo k sezení. Každá vstupenka platí vždy na jeden festivalový den a stojí 440 Kč, studenti navíc mohou využít 20% slevu. V ceně je vstup na módní přehlídky, showroomy, pop-upy, food & drink market, umělecké expozice i afterparty.

Pokud chcete mít místo k sezení jisté a zároveň nahlédnout i do backstage, k dispozici je limitovaný počet dvoudenních vstupenek WRN Fanatik Ticket za 2 700 Kč. Díky letošnímu partnerství s Czech Design Week navíc návštěvníci se vstupenkou na WE’RE NEXT získají vstup na Czech Design Week zdarma.

Přijďte zjistit, kam se současná móda posouvá a hlavně kdo ji bude tvořit dál.

Foto: @a55world, @michalcap, @NATYTHECHILD, @petr.sajgal